Where is my mind


Гео и язык канала: Украина, Русский
Категория: Искусство


Трошки про кіно.
За потребою, звертатися до — @Reddi1.

Связанные каналы

Гео и язык канала
Украина, Русский
Категория
Искусство
Статистика
Фильтр публикаций


​​Як переписати історію?

«Назад у майбутнє» — кіно, що подолало час.
Кіно, що впливає на наступні покоління так само сильно, як Марті вплинув на своє майбутнє в фіналі стрічки — воно змінює історію. Можливо, не світову, але цілком особисту.

Час пластичний. І зміна історії починається з усвідомлення відповідальності за теперішнє, а не перекладання її на ефемерні «минуле» та «майбутнє». Саме визнання не інертності часу спонукає Дока прочитати лист від Марті в кінці першої частини.
Майбутнє змінює не той, хто має машину часу, а той, хто вірить в простий постулат: «Кожна мить — це можливість. Кожне рішення — це зміна».

Та відходячи від реальності, картина регламентує, що випадковість може змінити життя.
Навіть парубок, що впав з дерева під колеса чиєїсь машини, може стати «чоловіком» найгарнішої жінки в історії кіно. Але є умова: випадковість спланованою не буває. І це питання щирості. Щирості почуттів, рішень, емоцій, а також законів квантової фізики з великою краплею фантазії.

Адже, коли персонажі, що через призму подорожей у часі перетворюють подекуди карикатурні образи на частину метафори про зміну мислення, вплив на себе та оточення — це знаходить відгук у серці, стає приємним евфемізмом некомфортного питання про персональне сьогодення.

Це «закоханість» родом з дитинства. Закоханість, яка з часом все більше прогресує у свідому, довготривалу любов. Визнана класика аудіовізуального мистецтва, яскравий представник утопічно-улюбленої епохи, стає власним осмисленням, що являє собою чиста емпатія, пристрасть та катарсис.

Одна стрічка, стаючи особистою конʼюнктурою, акумулює весь кінематограф, що приводить до розуміння того, чому я люблю кіно.
Перегляд, що зупиняє час, перехоплює подих, перевертає реалістичну буденність на дитячу інфантильність: таку відверту, добру та наївну.

Коли все це переплітається воєдино, виникає бажання сказати хрестоматійне, можливо, опціональне, але щире — «Це мій улюблений фільм».

#cinema


​​Элементарно ≠ рационально

«Элементаль» (вони ж «Стихії») – четвертый проект студии Pixar, в котором нет главного антагониста, и первый мультфильм со времен франшизы «Тачки», в котором нет людей.

Это лента о поиске иррационального решения в любой насущной ситуации, сквозь любовь, страх и ненависть. Когда жизнь предлагает прозаичные, общепринятые, правильные или неправильные решения – только нерациональное способно изменить жизнь, изменить историю, более того, изменить историю твоей жизни.

Приятной неожиданностью стал оригинальный подход к маркетинговой компания, скрывающий реальные конфликты сюжета и наиболее интересные аспекты проекта за штампами самопродающихся трейлеров.

«Элементаль» – честная и смелая история, принимающая решения не разделять чёрное и белое (считай, огонь и воду), не ставить во главу повествования клишированную проблематику бедных и богатых и не говорить всеми латентными идеями к максимально широкой аудитории.

Там, где есть проблема малоимущих и/или сегрегации, есть и страх потерять дело жизни, разочаровать предшественников. Там, где есть обеспеченность среднего класса, есть поиск своего места в жизни. Там, где есть общество – сосуществуют принятие и отторжение, а проблема эмиграции откладывает отпечаток на обеих сторонах социума и характерах отдельных личностей. И всё это через призму личной внутренней консолидации своего характера, как «горячего» обособленного холерика, так и сентиментально-дружелюбного меланхолика.

Структурный скелет фильма – ставший конвенционально-культурным архетип «Ромео и Джульетты», берущий буквальный нарратив, но нестандартную форму. И всё это при переплетении большого и малого, общественного и личного, масштабного события с эфемерным моментом, при поиске баланса в собственной жизни, но с эмпатией к окружающим.

И такому красочному, как в визуальном, так и в идейном плане, проекту, хочется простить все утрированные юмористические или сюжетно-упрощенные моменты в угоду крепкой истории, важным эклектичным мыслям и общему индивидуализму проекта.

Умножая всё на обострённо-реалистичную развязку (дальше спойлеры к финалу), где не все ответы найдены, не все проблемы решены и всё только начинается.
Уэйд (элемент водной стихии) так и не нашёл своего места в жизни, Эмбер (элемент стихии огня) не стала успешной/уверенной в выбранном жизненном пути, делая лишь первые шаги, а Берни (отец Эмбер) не вылечился от болезни.

И кульминация как ответ вопросом на вопрос: «А что дальше?» – «А что ты хочешь, чтобы было дальше?»

#review


«Старикам тут не место» (2007)

#poster


​​Эмпатия и секрет финальной шутки

Предвзятое отношение к культовым лентам необоснованно, а в процессе просмотра ещё и эфемерно. «Шоу Трумана» как показатель из личного опыта.
Антиутопическая драмеди (что само по себе служит многослойной иронией) является мягким концептуальным предвестником «Чёрного зеркала» и даже псевдотермином психического расстройства, известного как бред инсценировки.

История о неотъемности человеческого права на свободу воли и свободу выбора.
В контексте фильма, навязанное Труману решение, может, и не является неверным, но оно не есть истинным, как минимум с точки зрения самого героя.
«Свобода выбора – право и потребность, незаменимая для человечества константа» в обёртке изобретательной утопической концепции.

Более того – эмпатия.
Качественно поднятый аспект сопереживания как действующего/необходимого фактора любой формы искусства, в особенности кинематографа (и обычной телевизионной программы).
По сюжету, «Шоу Трумана» наиболее просматриваемая тв-передача в мире – люди сопереживают герою Джима Керри (что имеет метаироническую связь со зрителями фильма). И не начни люди сопереживать и любить Трумана как !персонажа (не как человека, для зрителей он только герой, лицо (в том числе консьюмеризма), провоцирующее любовь и ненависть), шоу закрылось бы на первом сезоне. Максимум – на втором-третьем, ввиду провокационной идеи.

Но телевиденье и кино дают лишь мнимость, недолговечность привязки к героям – секрет финальной шутки, где двое охранников парковки обсуждают, что ещё посмотреть по телевизору сразу после катарсиса (как для шоу внутри фильма, так и для ленты в целом).
И единственные, кто имеет реальное сопереживание к Труману, кто не забудет его через месяц после закрытия шоу или будет помнить только как исторический тв-момент, как ностальгический серил детства или любимого персонажа (!) – это приёмный отец Кристоф (Эд Харрис) и возлюбленная Сильвия (Наташа Макэлхон). Потому что они имеют личную или выразительную психологическую связь.

И эмоциональная база этих героев – это проекция истинного сопереживания, когда автор задевает зрителя за живое, заставляет чувствовать то же, что и он сам. Недавние «Фабельманы» Спилберга как рабочий актуальный пример.

#cinema






​​Досматривая проекты за 2022 год, всё же добрался до второй режиссёрской работы Оливии Уайлд.

«Не волнуйся, солнышко» – концептуальный проект, замысел которого к кульминации перестаёт выдерживать возложенную на него ответственность, расслаиваясь подобно пустому яйцу, которому удивляется персонаж Флоренс Пью в самом начале фильма. И будь это запланированная аллегория, всё могло бы сложиться иначе.

Но выстраивание сюжетной линии большей половины ленты подводит режиссура. Идеологическая ловушка выдуманной утопии вызывает лишь эфемерный интерес. И ни персонажи, ни повороты, ни напуганные глаза Пью, искренне желающие вернуть зрителям импульс внимания, не спасают от теряющего темп (образно ощутимый при просмотре) развития.

В третьем же акте начинает разваливаться идея, провоцирующая конфликт на протяжении истории. Разбитый логически драматургический якорь повествования сводиться к заложенным режиссёром мотивам картины, поступаясь объяснением происходящего, истинной (или обоснованной) цели внутреннего проекта «Victory» или банально – сценарным просчётам.

А вычурно-идеализированная картинка, призванная играть на руку атмосфере и заложенным будущим сюжетным ходам, вскоре начинает навевать искусственность, но не в отношении обстановки (это опять же на руку истории), а в аспекте фигуральной веры в происходящее.

Отрицание реальной проблемы – это создание иллюзии утопической жизни и, как подчёркивает автор, особенно когда «проблема» и жизнь – не твои, что в контексте может служить метафорой хоть к манипуляциям в отношениях, хоть к неспособности принять потерю (считай ошибки, что классно подчёркивает персонаж Уайлд в конце фильма), хоть к самообману вследствие неудачной жизненной самореализации.
Но лейтмотив упирается в неспособность кинематографистов грамотно реализовать посыл.

#review


​​People are amazing

Психологическая драма от Даррена Аронофски о внутреннем и физическом трагизме тучного учителя, который пытается восстановить отношения с дочерью, спровоцировала одни из сильнейших кинотеатральных эмоций за 2022 год. Пускай и посредством намеренно гипертрофированных факторов, главное – работающих на эмоциональном уровне.

«Кит» – актёрский проект, грамотно использующий аспекты замкнутого пространства одной локации. Решение снять фильм с соотношением сторон 4х3 имеет под собой техническое, логическое и идейное основание. Говоря о воздействии последнего: мир главного героя Чарли ограничен рамками собственной квартиры, точно также как зритель ограничен рамками кадра, что практически помещает нас в узкие условия и ограниченность жизни персонажа, ещё более побуждая к сопереживанию и соучастию.

Лента с остросоциальным подтекстом, большей частью своих сцен давит где-то под рёбрами, обнажая общественные предубеждённости и социальные предрасположенности зрителей. В этом отношении «Кит» крайне угнетающий и сковывающий просмотр, к которому, тем не менее, хочется вернуться. Вновь погрузившись глубоко в нутро этой неопрятной квартиры, наблюдая за тем, как люди ищут честность в пучинах самообмана.
А триумфальной перформанс Брендана Фрейзера, который, подобно Микки Рурку, возвращается «на ринг» (остаётся надеяться на лучшую карьерную перспективу, в отличие от Рурка), поддержан мощными образами Хонг Чау и Сэди Синк, в совокупности имея аргументы как лучшая роль в карьере на данный момент для всех троих.

Путём затрагивания проблематики психологических барьеров, компульсивных расстройств и физических регрессий фильм взывает к поиску простого нравственного качества – честность. Обращаясь к отношениям Чарли и Элли (отца и дочери) и расценивания, противопоставляя внешность (то есть внешнюю составляющую) как поведение, а характер (внутреннюю составляющую) как поступки, они оба остаются честны друг с другом сквозь наслаивающеюся ложь касательно самих себя.

И если честность (в контексте считай, принятие ошибок/самоанализ/признание верного решения) становиться выборочной по отношению к себе и/или конкретным людям, то как скоро это превратиться в первом случае в навязчивый самообман, а во втором – в притворство, фальшь или откровенную ложь. Идея в том, что нет лучшего фундамента для построения карьеры, семьи, самореализации или того самого: «I need to know that I have done one right thing with my life!», чем быть честным с собой. Правда же в том, что все люди несовершенны, но склонны к доброте (из слов Чарли: «Ты когда-нибудь чувствовала, что люди неспособны не заботиться?»).

А неоднозначная не равнодушность режиссёра к сакральным культурным взглядам, не отрицая определённых зрительских противоположных чувств, имеет рекурсивную иронию. В неоднократно упоминаемом «Моби Дике» автор описывает китов «чтобы спасти нас от своей грустной истории хоть ненадолго». И, подобно писателю Герману Мелвиллу, фильм делает то же самое.

«Кит» – лента с насыщенным эмоциональным оттенком, призванная играть на чувствах зрителя. И играет на них до самого конца титров.

#TheWhale #review


​​«Белый шум»

«Адам Драйвер, изучающий жизнь Гитлера, пытается побороть страх смерти на фоне воздушно-токсической катастрофы и семейных невзгод» – на бумаге завязка более, чем интригующая. Но идейный “сиквел” «Не смотрите наверх» от Ноа Баумбаха («Брачная история») – вещь противоречивая.

С одной стороны, в очередной раз доказывающий свою фактурность Адам Драйвер и убедительная Грета Гервиг выдают органичный дуэт. Фильм, где страх смерти (в аспекте яркого визуального примера) – потребительская слабость, сатирически подходит к исследованию эффекта Плацебо как буквального, так и фигурального, интерпретированного на общество, а также показывает иллюзорную и буквальную метафору «белого шума» как СМИ, масс-медиа и пропаганды. Это краткий экскурс о поколении потребления, являющегося и жертвой, и первопричиной, и решением своих же проблем.

С другой стороны, неровное повествование и внутренний дискомфорт от натянутости происходящего (в контексте комедии абсурда) не даёт сконцентрироваться. Одновременно с интересом к истории, персонажам и ситуации почти весь просмотр держит навязчивое чувство отвержения. Кажется, что растерян потенциал химического коллапса, в контексте фильма, подразумевающего сатиру на социальную истерию (или абсолютное её отсутствие), средства массовой информации и проблемы фармацевтики. Есть ощущение, что фоновое событие – слишком «фоновое». Но знающие люди пишут, что экранизация передана с практически идеальной точностью к первоисточнику, так что, вероятно, это изначально проблема романа.

И ведь есть за что ухватиться: высокопарные, но цепляющие диалоги, стильный визуал и эстетика постановочного дизайна, локации и цветокоррекция (одновременно грязно-отторгающая и по-своему приятная). Но всё это не складывается в единую картинку, не обрывается на полу слове, но и чего-то не договаривает.

«Белый шум» – занимательный режиссёрский опыт с рассеянным потенциалом. Получилось амбициозно и с любовью, но, возможно, без правильного чувства ритма.

#review #WhiteNoise


​​«Вавилон»

«Вавилон» – не только признание в любви кинематографу, а и метафора, и прямая аналогия внутренней кухни индустрии, что показано и рассказано по-своему, но с любовью к ремеслу (не обойдя стороной и внутрицеховые шутки, как схожесть Марго Робби и Самары Уивинг).

Перенасыщенность сценария сдерживается персонажами с простейшим драматургическим предназначением (человек в погоне за счастьем), не дающим зрителю утонуть в потоке событий 3-часовой эпопеи, где Голливуд 1920-ых – это рассадник разврата, наркотиков, отсутствия нравственности и, как показывает вступительная сцена фильма, порой граничащий с анархией, где уже в начале 1930-ых звук приносит в кинематограф индустриальную революцию, а кодекс Хейса (о котором в фильме, кстати, ни слова) мораль.

И на фоне эпатажных вечеринок, инфантильной хаотичности и экспрессии «магии кино» фильм говорит об одиночестве, поиске счастья и том, что нас всех объединяет – искусство, сквозь переход от немого кино к звуковому, приходу этичности и следственной множественной проблематике.

В основе сюжета – любовь и взаимоотношения на фоне вакханалии в прямом и переносном смысле. А непростой исторический контекст, охватывающий одну из главных революций самого визуально-синтетического, пространственно-временного вида искусства, скрепляется простой причинно-следственной частью: одиночество (что, фильм прямо проговаривает, причём не раз), и способа решения проблемы через искусство (именно искусства в комплексе, а не просто кино).

«В кино все чувства острее и всё возможно. Это способ убежать от реальности и выплеснуть эмоции» (из диалога Нелли и Мэнни в начале ленты) – это триумф высказывания о сущности кинематографа. Люди идут в кино за эмоциями. Индустрия начинает превращаться из ремесла в искусство. И в контексте «Вавилона» переход от немного кино к звуковому, зарождение образного блэксплотейшн (и такого жанра, как эксплуатационное кино в целом), кодекс Хейса – история этого искусства.

Символичная метафора, но как был разрушен первый в мире мегалополис, как в контексте фильма фигуральному «Вавилону» приходит конец, так рухнула и лента в мировом прокате. Экстравагантность и фамильярность высказывания можно понять. Хоть порой степень вульгарности и откровенности визуального ряда может выходить из желаемого диапазона зрителя.

Проводя аналогию с фильмом и его восприятием: часто то, что происходит на фоне композиции кадра, по-человечески интереснее (при повторных просмотрах, этот приём постановки становиться более очевидным), то есть, несмотря на то, что важная часть всегда «в фокусе», зритель «в расфокусе». Так и восприятие: затянутость, хаотичность повествования, общая раскрепощенность и насыщенность событий не дают сконцентрироваться. Но если захотеть посмотреть немного глубже внешней картинки, то синтез того, что в центре композиции и на её фоне, скрывает в себе много интересного.

«Вавилон» – заложник истории, которую хочет рассказать и показать. А нарушение этического кодекса даёт амбивалентное восприятие. Но чего не отнять – это лучшее музыкальное сопровождение и работа с аккомпанементом 2022 года, монтаж, игру актёрского ансамбля и виртуозность отдельных сцен первого часа (параллельные съёмки Нелли Ларой и Джека Конрада) и второго (сцена съёмок звукового фильма с персонажем Робби).

Но концовка и финальный монтаж вызывает тот самый катарсис, а просмотр фильма на большом экране позволяет сделать именно то, чего жаждут герои ленты – соприкоснуться с любимым видом искусством.

#review


​​Ещё несколько мыслей о ещё двух нашумевших картинах 2022

«Фабельманы»

Восприятие кинематографа субъективно. Как и всё искусство, красота или человеческая деятельность в целом. Но в этом вся романтика. Когда тебя бросает в восторг, дрожь и слёзы, когда автор задел за живой нерв – наступает истинный катарсис.

Это практически автобиографический фильм Стивена Спилберга, где имена изменены, но все совпадения не случайны. Картина о жизни и перипетиях юного режиссёра в период становления как личности. Это простая лента о взрослении, поиске себя и призвания, о свойственном людям желании контролировать ситуацию и о последующей фрустрации (то есть пути борьбы). И, в конце концов, ты сам автор своей жизни, в независимости от обстоятельств, на которые ты не влияешь. А победа над страхом и эгоизмом или контроль над ситуацией – лишь часть пути к принятию и мечте. И всё это через перспективу молодого кинематографиста, переживающего личный кризис вследствие развода родителей.

Фильм – самая синефильская вещь года. Помимо простого изложения собственной жизни, это пускай немного приторное, но самое искренне признание в любви кинематографу. Спилберг давно не снимал с такой романтикой, с такой отдачей. Это рекурсия своего же творческого пути. И видно, что автору не безразлично, что он любит произведение и не хочет расставаться с персонажами после окончания работы (что обретает метаиронический посыл в самом конце титров) – и зритель чувствует то же самое.

Что касательно моего восприятия, то сюжет слишком напоминает пережитый опыт. Получается история «твоей жизни» на плёнке режиссёра, «Парк Юрского периода», которого изменил что-то навсегда. И клишированный школьный задира, первая любовь, утрированная атмосфера и картинка или базовая история взросления – остаются где-то на периферии. Когда тухнет свет, ничего, кроме экрана уже не видно, и мелодраматическая повесть с чуткой режиссурой вылилась в самый искренний и откровенный разговор года.

«Если слишком долго думать о том, что понравиться читателям, то в итоге вы напишите то, что им однозначно не понравиться. Я просто ищу идеи, которые по-настоящему нравятся именно мне, с которыми не хочется расставаться» (Стивен Кинг).

«Банши Инишерина»

«Банши Инишерина» – очень многогранное кино. Это и метафора на Гражданскую войну в Ирландии, и аллюзия на зарождение/протекание любого политического или бытового конфликта, и история о разрушении дружбы, и притча о вражде, и синтез всего вышеперечисленного.

Тяжёлый просмотр выдаёт, видимо, лучший сценарий года – с правильно раскиданными крючками, расставленными точками во второстепенных линиях и грамотным подходом к драматургии: когда персонажи характеризуются не тем, что они говорят, а тем, что они делают, когда достаточно всего пары реплик диалога, чтобы сказать всё, что нужно. Исследование вопроса неопределенности человеческой натуры, импульсных решений и неспособности остановиться перетекают в вопросы того, что важнее – будущее или теперешнее, вкладывать время в «сейчас» или «потом». Доброта против войны или человек против гордости, «эфемерная» дружба или «высокое» искусство при поиске смысла жизни, вечного, доброты и проблемах праздности.

Красивое, спокойное, но нарастающее тревогой – это простое и сложное, неприятное, но завораживающее кино одновременно. Немного драматизированно-гиперболизированная повесть о сложных гранях человеческих отношений и рефлексии на тему прожитой жизни.

«Банши Инишерина» – это медленное погружение в эскалацию и уничтожения обыденной радости сквозь знакомую историю на фоне понятной метафоры, идеально описывающей действие.

#review


​​Несколько мыслей о двух нашумевших картинах 2022

«Всё, везде и сразу»

Катарсис на периферийной грани сознания.
Беспрецедентный победитель в номинации «Самый необычный киноопыт года». Количество и качество созданного авторами материала и талант отобразить придуманное в действительность при не утраченном такте логики и чувствах зрителя возводит в абсолют идею о метавселенных (что, конечно, не означает творческий или профессиональный предел).

Это кино удивительно совмещает в себе слёзы и отвращение, недоумение и восторг, радость и “а, это же авторы фильма «Человек–швейцарский нож»”. Раздвигает ли это границы восприятия, становиться ли чём-то предельно новым в кинематографе, это удивительная обёртка простого лейтмотива или инфантильная детскость в сторону подростковых конфликтов? Правда в том, что ответ находиться между «да» и «нет», когда ни один из вариантов тебе не подходит. И это хорошо.

Тот случай, когда простой и правильный со всех граней мотив о доброте сквозь неспособность найти однозначный ответ не просто проходит сквозь пространство при восприятии за должное, а врезается в подсознание.
Потому что: «Видеть во всём хорошую сторону вещей – это не слабость, не проявление наивности. Это стратегия. Необходимость». И в этом вся романтика. Когда в этом сумбурном хаосе зритель находит точку соприкосновения с авторами и идеей.
И экспрессивный перфоманс Мишель Йео, и эффектное возрождение карьеры мальчика из «Балбесов» и «Индианы Джонса и храма судьбы», и общая эпатажность происходящего становятся лишь приятным бонусом.

Убрав эксцентричную пошлость определенных актов – это был бы восторг без слова «но» после запятой. Но если принять тот факт, что двоичность и амбивалентность восприятия – часть задуманного авторами смыла и концепт восприятия, то приходиться лишь правильно заплатить налоги и принять сделанный выбор собственной вселенной.

«Треугольник печали»

Лауреат золотой пальмовой ветви 75-го Каннского кинофестиваля. Картина, высмеивающая верхушку общественной элиты, сатира на мир моды и гладкий камень в сторону буржуазии. Всё выше перечисленное присутствует, но с оглядкой на поверхностность высказывания (при !множественных заложенных подтемах). Высмеивание заканчивается на реверсивной фамильярности в отношении пролетариата. Но фильм на самом деле не об этом.

Речь не о деньгах или о том, кто сможет выжить на необитаемом острове, а о подмене понятий. Как не переворачивай иерархическую лестницу в широком смысле, ничего не измениться. Истеблишмент и буржуазия приспособятся, а слово «власть» становится нарицательным для определенного типа подведения.

Но высокопарность высказывания сшивается отменной постановкой. Бестолковый спор о деньгах через призму (буквально) вечно закрывающихся дверей лифта, морская болезнь, интерпретированная на зрителя благодаря 20-минутному качанию камеры, отображающую штормовую погоду, и муха, «врывающаяся» на роскошную яхту стоимостью в четверть миллиарда.

Достойна ли лента всех обрушившихся на неё бурных оваций – вопрос индивидуальный. Но опыт любопытный, как и возможное последующее обсуждение со славянским капиталистом или американским марксистом.

#review


​​«Она сказала»

Фильм не о Харви Вайнштейне или борьбе с домогательствами в киноиндустрии. Проблема не в мерзких продюсерах или политиках, или ком-либо другом. Проблема в менталитете.
Вайнштейн – просто предлог, удачная кандидатура, для освещения проблемы. И речь не о феминизме или ковырянии темы, от которой общество «устало».

Помимо документальной части, интерес заключается в здравом подходе к проблеме молчания потерпевших по делам о сексуальных домогательствах, к личным, социальным и карьерным ценам, которые придётся заплатить.

И невзирая на остросоциальный посыл – это качественный фильм, являющейся частью многолетнего искусства. Работа с персонажами, палитра переданного настроения, музыкальное сопровождение с правильным чувством драматизма.
Хорошая химия между главными героинями: они на разных социальных/возрастных уровнях, но имеют грамотные точки соприкосновения, что делает их тандем лаконичным и приятным. Их силы уравновешены, а потенциал ограничен. И в контексте истории в этом секрет повествования – в отсутствии стопроцентной романтизации героини первого плана. История не про неё, а о попытке изменения с благими мотивами. Поэтому важны все участники действия, вне зависимости от гендера, расы или чего-либо ещё.

Это адекватный взгляд на проблему с выстроенными противопоставлениями. Но неудачной рекламной компанией, которая так не позиционировала фильм. Кассовый провал или пустой зал при моём просмотре – вещи закономерные. Не привлекли людей даже Кэри Маллиган и Зои Казан при отличных актёрских работах.

«Она сказала» – это социально значимая драма о харассменте в любой крупной корпорации, одновременно являющейся качественным фильмов со здравым взглядом на жизнь; лента, которая остается искусством, не теряя остросоциальной подоплёки.

#review


​​Гастрономическое наслаждение

«Меню» – сатира на всю систему потребления в жанре триллер с элементами чёрного юмора; пиршество с последующей рефлексией. Это высмеивание пищевой индустрии с позиции работника индустрии.

Поверхностные и очевидные предзнаменования перекрываются выдержанным посылом: «Еда – один из необходимых принципов существования. Одержимость – когда еда становиться причиной существования. Всё это при сохранении чувства баланса между любовью, страстью и обыденностью».

Отдельного внимания заслуживают противопоставления в картине. Если в фильме этого же года «На западном фронте без перемен» проводиться параллель между смертью в грязных окопах и жизнью в чистых залах принятия политических решений, то в «Меню» ситуация интереснее. Здесь противопоставляют идеальную картинку и мерзкие поступки, изысканные блюда и тлеющее общество, создание кулинарного шедевра и уничтожение человеческой морали.

Нить высмеивания тянется от миллениалов до зуммеров сквозь стереотипы и гиперболизированные образы. Рассказ о потерянном поколении промышленности быстрого питания и утонувшем поколении её отсутствия. Разговор о сфере работы и её работниках.

Но, как и в каждом меню, в этом есть своя «лакрица».

#review


​​О четвёртой фазе MCU и «Чёрной пантере: Ваканда навеки»

Сиквел «Чёрной пантеры» не претендует на звание «блокбастер года», максимум сезона, утопив «Чёрного Адама» по части вовлеченности.
Когда коммерческий поход студии Disney начал пренебрегать базовыми принципами кинодраматургии и убедительными внутренними конфликтами своих героев, они потеряли не только доверие зрителей, но и часть интереса к просмотру.

Персонаж фильма – прообраз реального человека, с которым должен ассоциировать себя зритель. Людям свойственно меняться на протяжении жизни, накапливая опыт, и приходя к новым мыслям или решениям. Персонаж, не подвергающийся изменениям на протяжении истории – это нереалистичный персонаж (привет, «Тор: Любовь и Гром»). Герой должен приходить к выводам после достижения (или не достижения) своей цели. Что это будут за выводы, и какое влияние это окажет на зрителя – уже другой вопрос, но, когда этого нет вовсе, лента теряет зрителя в бесконечном потоке пафоса и самолюбования.
То же самое касается и наличия сильного внутреннего конфликта, на противовес внешней угрозе.

И «Чёрная пантера: Ваканда навеки», даёт персонажа, подвергающегося изменениям; даёт эмоцию, варьирующеюся от любви и сопереживанию к несогласию и отвращению.
Картина радует стилем, не банальностью ситуаций/тематики и правильным взглядом на женских супергероев первого плана. Проблема в поиске преимуществ (а на самом деле необходимой константы), среди подразумевающихся, ещё перед покупкой билета на сеанс, недостатков. Всё, как и раньше: бодрый экшн, затрагивание интересных тем или мотиваций при общем, неизменном лейтмотиве семьи, власти и стереотипов, возможности и упущения, риск и аттракцион, средний отзыв на IMDB, являющейся реальностью.

Это не плохой фильм – это усталость зрителя. Зрителя, который ходит на фильмы, превратившееся в длинные серии сериала, где ничего не имеет смысла, если в потенциале нет продолжения. Киновселенная запустила механизм, пиком которого стал финал третьей фазы, дальше только инерция.

Проблема не в медиафраншизе, которая приносит развлечение, а в медиафраншизе, которая служит стагнации жанра и творческому потенциалу целого вида искусства.

#cinema




​​«Блондинка»

Один из самых амбициозных проектов года ознаменовался наиболее скандально-противоречивым высказыванием о психологическом здоровье и состоянии главного женского символа Голливуда.

Лента, не претендующая на биографическую достоверность, представляет собой исследование жизни Мэрилин Монро через призму её внутреннего состояния и когнитивной обособленности, провоцирующие открытое пространство для поиска крамольного смысла и трактовок. В СМИ же психологическая драма вызвала бурный резонанс в отношении эксплуатации образа.

«Блондинка» в порывах режиссёра Эндрю Доминика раскрыть психические аспекты ментального состояния Монро настолько уходит вглубь художественной подоплёки, искажая действительность, что уже после первого (из трёх) часа просмотра возникает мысль, что лучше бы это была крепкая биографическая драма, нежели крайне спорное субъективное переживание жизни одной из самых значимых женщин в истории США.
Потому что мысли о том, что все проблемы из детства, а любую культурно значимую фигуру в СМИ люди воспринимают как мясо, – явно лишь верхний шар проблематики, затронутой автором в попытках вскрыть диссонанс перерождённой женщины (процесс, кстати, остался где-то за кадром между травмирующим детством и травмирующим первым кастингом). Так как в конечном итоге в контексте ленты родила Норма Джин лишь нежеланный образ собственного альтер эго, так полюбившегося публике.

И проблемы возникают не столько в том, что я или кто-либо другой с этим высказыванием не согласен. Проблемы кроются в подаче, исполнении и банально высокопарной авторской идее происходящего. Произвольные переходы от цветной картинки к чёрно-белой и изменение соотношения сторон, меняются без всякой логической, смысловой или технической причины.
Обладая ресурсами и возможностями (Netflix остались недовольны итоговым вариантом ленты, но позволили автору выпустить именно режиссёрскую версию на стриминг), кинематографистам удалось сделать несколько запоминающихся монтажных переходов и внушительный масштаб воссоздания действительности. Но они забыли про хороший монтаж или целостность сценарного произведения.

Картина скачет от одного события к другому, не заканчивая ни сюжетные, ни личные арки персонажей. Это становиться похоже на сборник красочных (или чёрно-белых) этюдов, которые хотят служить на благо общей смысловой нагрузке и пытаются довести историю до кульминационной точки всего повествования. Но не целостная структура и индивидуальный авторский взгляд приводят к мысли, что здесь слишком много неоправданных амбиций.

Общая раскрепощённость и якобы антисексуализированный подчерк ленты направлен на карт-бланш автора в отношении допустимого использования сцен наготы, насилия и/или их оттенка, а не на художественную ценность.
Да, все, кто кричит об эксплуатации образа, не уловили суть происходящего. В контексте, лента как раз об этом и говорит, если не в отношении Монро, то в отношении кого угодно другого, вплоть до проходящей девушке на улице (сцена премьеры фильма «В джазе только девушки», когда ми видим одинаковые изуродованные лица фанатов). Но проблема в том, что количество и длительность подобных сцен в плане морально-художественного аспекта уходит далеко за рамки рейтинга «NC-17» (самый высокий рейтинг после «R» по системе рейтингов Американской киноассоциации).

Мэрилин Монро – сложный образ. Грим и мимика Ани де Армас – достойно проделанная работа, хоть и возникают проблемы с её подачей речи после прослушивания реальных записей голоса Нормы Джин.
Является ли актриса ярким звеном в этом противоречивом фестивале?
Возможно, но это не стоило вызванного когнитивного диссонанса, полученных эмоций и затраченного времени.

#review


«Пролетая над гнездом кукушки» (1975)

#poster


​​Куда смотреть?

«Смотри, как они бегут»

Комедийный детектив с элементами фарса о расследовании канонично запутанного убийства ознаменовался не претензионным, но одним из самых приятных из немногочисленных походов в кино этого года.

Картина – выжимка лучшего из криминальных комедий, подчеркнутая грамотной иронией над театральным производством и жанром в целом, с лёгким визуальным оттенком Уэса Андерсона. Тем не менее лента соблюдает правильный баланс инфантильного юмора и реалистичной истории с не обострённым драматизмом.

В невыразительной, но дополняющей атмосфере 50-ых «бегут» экспрессивный Эндриен Броуди, но лишь на несколько мимолётных мгновений, милая протеже Сирша Ронан и в контексте «не бегущий» Сэм Рокуэлл, которому в этом фильме особо не чего играть.

Присутствие незначительных сценарных дыр и значительных исторических неточностей компенсируются прямыми, но от этого не менее работающими предзнаменования и обыгрыванием вступительной регламентации.

Выверенное техническое исполнение уравнивается некоторыми спорными моменты, в которых заключена идея авторского стилевого повествования, но которые порой выглядят как не самая удачная попытка разнообразить традиционные монтажные склейки.

За небольшой хронометраж авторам удалось как рассказать целостный, пускай и недлинный детектив, так и заглянуть за ширму детективного амплуа посредством главных героев. Приходя к выводам в своих эфемерных закрытых конфликтах: от борьбы со стереотипным мышлением (и мнением, на что акцентируют временные условности 50-ых) до победы над своим прошлым для создания будущего.

Так о чём же лента «Смотри, как они бегут»?
О том, что: «Не стоит делать поспешных выводов, констебль».

#review


Аня Тейлор-Джой на обложках известных журналов за 2021 год.

#celebs

Показано 20 последних публикаций.